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Anita Malfatti (1889-1964)

Anita Malfatti (1889-1964). Eine Chinesin, 1922. Coleção Luciana e Luis Antonio de Almeida Braga.

Anita Malfatti (1889-1964). Erster kubistischer Akt, 1916. Luciana e Luis Antonio de Almeida Braga.

Anita Malfatti (1889-1964)

Eine Pionierin der modernen Kunst Brasiliens. Sie macht bereits 1917 mit expressionistischen Gemälden auf sich aufmerksam. Diese stossen aber bei den Kritikern in São Paulo auf Unverständnis.

Anita Malfatti hat einen italienischen Vater und eine US-amerikanische Mutter. Ihre Jugend verbringt sie in São Paulo.

Von 1910 bis 1914 erhält sie ihre künstlerische Ausbildung in Berlin. In Deutschland ist der Expressionismus gerade in Mode. Sie studiert die Werke der europäischen Avantgarde, vor allem des Futurismus und des Kubismus.

Nach einem kurzen Aufenthalt in Brasilien zieht sie weiter nach New York und befasst sich dort mit Naturalismus – vor allem Landschaften.

Zurück in São Paulo zeigt sie 1917 ihre Werke in einer Einzelausstellung. Die expressionistischen und kubistischen Werke lösen grosse Kontroversen aus. Die konservativen Kritiker lehnen sie ab, die avantgardistischen hingegen feiern Malfatti bald als Vorbild der brasilianischen Moderne.

Sie ist eine der Protagonistinnen der «Semana de Arte Moderna», die 1922 in São Paulo ausgetragen wird. Diese Ausstellung markiert einen radikalen Bruch mit akademischen Traditionen.

Als Malfatti dann 1923 dank eines Stipendiums nach Paris reisen kann, findet sie plötzlich Gefallen an den klassischen Traditionen. Zurück in São Paulo (1928) beginnt sie, ihren Stil zu verändern. Nun orientiert sie sich an den alten Meistern der italienischen Malerei. Bei ihren avantgardistischen Kollegen stösst das auf Unverständnis.

Vicente do Rego Monteiro (1899-1970).

Vicente do Rego Monteiro (1899-1970). Sitzende Frau, 1924. Luciana e Luis Antonio de Almeida Braga.

Vicente do Rego Monteiro (1899-1970). Kreuzigung, 1922. Kollektion Gilberto Chateaubriand.

Vicente do Rego Monteiro (1899-1970)

Er ist Künstler und Schriftsteller. Als einer der ersten beschäftigt er sich mit den indigenen Kulturen Brasiliens.

Vicente do Rego Monteiro stammt aus einer wohlhabenden Familie im nordöstlichen Bundesstaat Pernambuco. Bereits als Zwölfjähriger begleitet er seine ältere Schwester nach Paris, wo er in verschiedenen privaten Akademien studiert. 1917 lässt er sich in Rio de Janeiro und in Recife nieder.

Er interessiert sich für die Indigenen, hat aber keinen direkten Kontakt zu ihnen. Besonders die Keramiken des präkolumbianischen Marajoara-Volkes aus dem Amazonasgebiet fazinieren ihn. Das hinterlässt Spuren in seinen Darstellungen reliefartiger Figuren in erdiger Farbigkeit und stark reduziert auf einfache Formen.

Seine Teilnahme an der «Semana de Arte Moderna» in São Paulo im Jahr 1922 macht ihn als Vorreiter der brasilianischen Moderne bekannt.

1923 illustriert er einen Sammelband mit mythologischen Geschichten der Tupi und der Tapuia, zweier brasilianischer Ethnien, die er als Ursprung indigenen Denkens erachtet. Das Werk heisst «Legenden, Glaube und Talismane der Indigenen im Amazonasgebiet». In diesem Zusammenhang entstehen abstrakte Gemälde, die Formen der Tupi und Tapuia aufgreifen.

Ab 1923 bis zu seinem Tod verbringt der Künstler längere Zeit in Paris. Es entstehen auch Arbeiten mit alltäglichen und christlichen Themen.

Tarsila do Amaral (1886-1973).

Tarsila do Amaral (1886-1973). Der See, 1928. Hecilda e Sergio Fadel.

Tarsila do Amaral (1886-1973). Ortschaft, 1952. Kollektion Airton Queiroz, Fortaleza.

Tarsila do Amaral (1886-1973). Der Markt II, 1925.

Tarsila do Amaral (1886-1973). Ländlicher Tanz, 1950-61. Stiftung Edson Queiroz, Fortaleza.

Tarsila do Amaral (1886-1973).

Ihre Familie besitzt eine Kaffeeplantage. Tarsila darf in São Paulo Kunst studieren und dann 1920 in Paris ihre Ausbildung fortsetzen. Dort macht sie sich mit den modernen Kunstrichtungen vertraut und kehrt 1922, kurz nach der «Semana de Arte Moderna», nach São Paulo zurück.

Dort lernt sie den Schriftsteller Oswald de Andrade (1890-1954) kennen. Die beiden werden in den 1920er Jahren zu einem der einflussreichsten Künstlerpaare Brasiliens und sind Schlüsselfiguren der brasilianischen Moderne. Von 1926 bis 1929 sind Tarsila und Oswald verheiratet.

Sie sind Teil der «Grupo dos Cinco», die den brasilianischen Modernismus vorantreibt und

begründen zusammen die anthropophagische Bewegung in der brasilianischen Kunst.

Was bedeutet antropophagisch? Wörtlich übersetzt: «Menschenfressend». Oswald de Andrade formulierte das Prinzip so: «Statt das Fremde wegzuschieben, das Fremde fressen», heisst: Offensein gegenüber fremden Einflüssen und sich mit diesen kritisch auseinander setzen. Und daraus einen brasilianischen Stil entwickeln.

Mit Oswald de Andrade reist sie nach Paris, wo sie ihre brasilianische Identität zelebriert. Sie lädt Picasso, Léger und de Chirico zu brasilianischen Abendessen ein und malt exotische Gemälde.

Ihre Werke kommen in naivem Stil daher, sind dabei aber auch surrealistisch – denn do Amaral stellt die kurz zuvor noch auf Plantagen versklavte Bevölkerung, die nun in Armut in den Favelas lebt, realitätsfremd in idyllischen Utopien dar. Dabei gibt sie sich der Illusion hin, so die brasilianische Identität darstellen zu können. Und hofft so, sich ihrem Volk «anzunähern».

Beim Börsencrash 1929 verliert sie ihr Vermögen. In den 1930er Jahren verändert sich do Amarals Kunst dann fundamental: Entsprechend der politischen und gesellschaftlichen Situation des >Estado Novo (1937) nach der Revolution 1930 entscheidet sie sich für einen realistischeren Stil und behandelt auch Alltagsthemen und Soziales.

Djanira da Motta e Silva (1914-1979).

Djanira da Motta e Silva (1914-1979). Bananenplantage, 1961. Kollektion Leonel Kaz, Rio de Janeiro.

Djanira da Motta e Silva (1914-1979). Junge Caboclos, 1951. Kollektion Leonel Kaz, Rio de Janeiro.

Djanira da Motta e Silva (1914-1979). Marktszene, 1960. Kollektion Vicor Adler.

Djanira da Motta e Silva (1914-1979)

Sie gilt als Beobachterin des Alltagslebens, die unterschiedliche Kulturen und Facetten Brasiliens erlebt und porträtiert.

Djanira da Motta e Silva wächst als Tochter eines Paares mit indigenen und europäischen Vorfahren in der Arbeiterklasse auf. Als Künstlerin ist sie eine Autodidaktin und signiert ihre Werke stets mit ihrem Vornamen Djanira.

Umgeben von anderen Künstlerinnen im Quartier Santa Teresa in Rio de Janeiro beginnt sie in den 1940er Jahren zu malen. Sie porträtiert ihre Nachbarn und sich selbst. Als sie ihre Gemälde 1943 zum ersten Mal ausstellt, wird ihr Werk von anderen Künstlern wie Portinari und Segall gelobt.

Mit ihrem eigenen Malstil, der zur naiven oder primitiven Kunst zählt, bildet sie Brasiliens Facetten ab: Dazu gehören Alltagsleben, Arbeiter, Volksfeste, afrobrasilianische und katholische Religiosität sowie Landschaften.

Die Kunstbegriffe «naiv» oder «primitiv» empfindet sie beleidigend und lehnt sie vehement ab. Sie findet, sie brauche diese reduzierte künstlerische Sprache, um die sozialen Ungleichheiten zu kommentieren.

Ab den 1950er Jahren zeigt sie vermehrt Interesse an Quellen der Volkskultur. Die Künstlerin arbeitet 1954 und 1955 einige Monate in Salvador de Bahia. Dort studiert sie die afrobrasilianische Kultur, die sie als ein grundlegendes Element der Identität des Landes versteht.

Afrobrasilianische religiöse Rituale, insbesondere die Darstellung von Candomblé-Orishas (Gottheiten) dienen ihr als Motiv.

Von der «ersten Generation» der modernen Künstler unterscheidet sie sich insofern, als sie selbst im Umfeld der Kulturen lebt, die sie malt.

Lasar Segall
(1889-1957).

Lasar Segall

(1889-1957).
Licht im Wald, 1954. Ausschnitt. Kollektion Maria Fernanda Vilela.

Lasar Segall
(1889-1957). Mulato II, 1924. Kollektion Airton Queiroz, Fortaleza.

Lasar Segall (1889-1957)

Segall ist jüdischer Abstammung. Als junger Mann verlässt er seine litauische Heimat und studiert in Berlin. Dort setzt er sich mit dem Expressionismus und der Neuen Sachlichkeit auseinander. Dann flüchtet er vor dem Kriegselend in Europa und zieht nach Brasilien.

Nach dem Krieg kehrt er nach Deutschland zurück. Zu Beginn der 1920er Jahre kommt er mit einigen Bauhaus-Lehrern wie Wassily Kandinsky, Paul Klee und Lyonel Feininger in Kontakt.

1923 entscheidet sich Segall, definitiv nach Brasilien auszuwandern. Dort kommt er schnell mit der brasilianischen Avantgarde in Kontakt und nimmt die Vorstellung der brasilianischen Moderne in seine Werke auf.

Vor allem Darstellungen indigener oder afrobrasilianischer Menschen gehören zu seinen Motiven. Aber auch die üppige tropische Pflanzenwelt Brasiliens fasziniert ihn.

Im Laufe der 1930er Jahre setzt sich Segall mit den Verfolgungen, Flüchtlingsschicksalen und der allgemein katastrophalen Situation in Europa auseinander. 1937 werden einige seiner Werke von den Nazis aus deutschen Museen verbannt und in der Ausstellung >Entartete Kunst in München 1937 diffamiert.

Seine kräftigen Farben der 1920er-Jahre weichen ab den 1930er-Jahren Braun- und Grautönen. Er malt jetzt auch Pogrom-Szenen. Die Tatsache, dass auch in Brasilien die Nazi-Rhetorik teilweise übernommen wird, erschüttert den Künstler. Auch hier wird er oft als «entarteter» Maler verunglimpft.

Werke in der Ausstellung Brasil 2024

im Paul Klee Zentrum Bern

>Paul Klee Zentrum Bern