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Maria Lassnig (1919-2014). Traditionskette, 1983. Privat-sammlung.

Maria Lassnig – ganz schön selbstbewusst

In diesem Gruppenbild porträtiert sich Lassnig zusammen mit den ganz Grossen: Zuoberst im Bild der spanische Barockmaler Diego
>Velazquez (1599-1660), dann >Edvard Munch, darunter der niederländische Superstar >Vincent van Gogh (1853-1890) und zuunterst sich selbst. Sie zählt sich also ganz bescheiden zu den Top-4 der Kunstgeschichte.

Über allen thront Velazquez – mit erhobenem Pinsel. Edvard Munch und Vincent van Gogh malt sie als Büsten auf Sockeln. Um die Traditionskette darzustellen, verbindet sie die unteren drei Figuren durch aufgelegte Hände: Munch legt seine Hände auf die Schultern von van Gogh, van Gogh seine auf die Schultern von Lassnig – so sind sie auf alle Zeiten miteinander verbunden.

Maria Lassnig (1919-2014). Ehepaar, 2001. Lenbachhaus und Kunstbau München, Sammlung KiCo.

Maria Lassnig (1919-2014).
Mit einem Tiger schlafen, 1975. Osterreichische Nationalbank.

Edvard Munch (1863-1944). Omega liebkost den Tiger. Aus Alpha und Omega, 1909.

Edvard Munch (1863-1944). Omega liebkost die Schlange. Aus Alpha und Omega, 1909. Kunsthaus Zürich, Grafische Sammlung.

Verstörende Mann-Frau-Beziehungen

In den Werken von Maria Lassnig und Edvard Munch spielt die komplizierte Beziehung zwischen Mann und Frau eine wichtige Rolle. Während Lassnig die weibliche Erfahrung als «Auslöschung des eigenen Körpers» formuliert, zeigt Munch in seiner Geschichte des Ur-Paares Alpha und Omega die Ängste des eifersüchtigen Mannes auf. Er beschreibt seine Geschichte als eine «Fabel über die Schlechtigkeit der Frau». Das ist ziemlich verstörend.

Gemeinsamkeiten und Unterschiede treten hier klar zutage:
Bei Lassnig ist die Frau potenziell das Opfer einer männlich bestimmten Beziehung; während bei Munch die Frau zu einer Projektionsfigur männlicher Ängste wird.

Im Werk «Mit einem Tiger schlafen» inszeniert Maria Lassnig ihren Liebhaber als Tiger. Nackt und verletzlich windet sie sich unter den Pfoten der Raubkatze. Aus ihrem Gesichtsausdruck ist nicht zu schliessen, ob sie dabei Lust, Schmerz oder beides empfindet. Einer Antwort näher kommt man, wenn man ihren eigenen Text dazu liest: «Wenn man mit einem Tiger schläft, wird man von ihm gefressen. Jeder Mann ist ein Tiger, ob er ihr überlegen oder unterlegen ist, sie wird von ihm gefressen».

Munchs Fabel von der «Schlechtigkeit der Frau»

Auch in Munchs Werken kommen Tiger und andere Tiere vor:
In seiner Geschichte des Ur-Paares «Alpha und Omega».
Die 1909 entstandene Serie von 22 Lithographien ist eine bitterböse Parabel auf Adam und Eva im Paradies. Hier heissen die Protagonisten Alpha und Omega. Anfänglich geniessen die beiden ihre Zweisamkeit auf einer paradiesischen Insel. Doch bald beginnt sich die Frau in die Tiere der Insel zu verlieben und
paart sich mit ihnen. Sie gebiert daraufhin eine Reihe von Mischkreaturen, von Bastarden. In seiner Eifersucht, Verzweiflung und Wut ermordet Alpha seine Frau. Im letzten Bild der Serie wird er selbst zum Opfer: Omegas Kinder, die Mischwesen, reissen ihn in Stücke.

Munchs weibliche Figur (Omega) wird in dieser Geschichte als untreue, triebhafte und zerstörerische Macht dargestellt. Für Munch wird sie zur Projektionsfläche männlicher Verlust- und Kastrationsängste. Der Künstler selbst beschrieb seine Geschichte als eine «Fabel über die Schlechtigkeit der Frau».

>mehr über Munchs Geschichte von Alpha und Omega (PDF)

Edvard Munch (1863-1944). Vampir im Wald, 1916-18. Munch-Museet Oslo.

Die Frau als Vampir

Auch im Gemälde Vampir im Wald stellt Munch die Frau als zugleich begehrte wie gefürchtete Figur dar. Die Frau beugt sich über den Mann, ihr langes rotes Haar umhüllt ihn. Das Bild kann als Umarmung gelesen werden, wurde aber schon früh als Bild «weiblicher Aussaugung» gedeutet. Munch selbst verglich Frauen teils mit Blutegeln oder gefährlichen Raubtieren. Zentral an diesem Gemälde ist aber die Unsicherheit zwischen Zärtlichkeit und Bedrohung. Munch malte den Mann in passiver und allem ausgelieferter Haltung. Ursprünglich gab der Künstler seinem Werk den Titel «Liebe und Schmerz».

Edvard Munch (1863-1944). Madonna, 1895. Lithografie. Munchmuseet Oslo.

Munchs erotische Madonna

Eine der frühesten Lithografien Munchs. Das Werk aus dem Jahr 1895 ist eine einzige Provokation: Eine Madonna, nackt und sexuell aufgeladen mit langem, offenem Haar dargestellt. An den Rändern des Bildes sind symbolhafte Spermien zu erkennen. Und in der unteren Ecke ein fötusartiges Monsterwesen.

Der Künstler bezeichnete seine Madonna als eine Frau «im Zustand der Hingabe», die dabei die «leidvolle Schönheit einer Madonna erlange». Munch verknüpft damit zentrale Gegensätze seines Werks: Heiligkeit und Körperlichkeit, Begehren und Angst, Geburt und Tod. Für ihn war die Zeugung nicht ausschliesslich ein lebensbejahender Augenblick, sondern ein Moment, in dem
Leben und Tod zusammentreffen.

Maria Lassnig (1919-2014). Krebsangst. Doppelselbstporträt 1979. Albertina Wien.

Maria Lassnig (1919-2014). Vom Tode gezeichnet, 2011. Museum Ludwig Köln.

Maria Lassnig: Die Angst vor Krankheit und Krebs

Das Werk Krebsangst gehört zu ihrer Serie «Körper als Ort innerer Erfahrung». Die menschliche Figur wird von einem krebsartigen Wesen verfolgt, das symbolisch Angst vor Krankheit, Verletzlichkeit und Tod darstellt. In ihrem doppelten Selbstporträt geht es dabei um die Vorstellung des Körperbewusstseins: Sichtbar wird nicht, wie der Körper aussieht, sondern wie er sich anfühlt.

Während sie die Angst vor Krankheit in «Krebsangst» in eine tierische Figur verlagert und so auf Distanz hält, begegnet sie im späten Werk von 2011 «Vom Tode gezeichnet» dem Tod selbst. Maria Lassnig stirbt im Jahr 2014, im hohen Alter von 95 Jahren.

Mit Vom Tode gezeichnet radikalisiert die Künstlerin die in «Krebsangst» angelegte Auseinandersetzung mit Krankheit und Tod. Der abstrakt dargestellte Tod zeichnet ein leichenblasses Selbstbildnis. Damit bekommt das Malen einen Sinn: Der Tod zerstört zwar den Körper, aber hier entsteht noch ein Bild.

Edvard Munch (1863-1944). Der Tod und der Frühling, 1893. Munchmuseet Oslo.

Edvard Munch (1863-1944). Krankenhaussaal, 1902. Munch-museet Oslo.

Edvard Munch (1863-1944). Leben und Tod, 1916. Radierung. Munchmuseet Oslo.

Munchs zentrales Thema: Krankheit und Tod

Während bei Lassnig das Thema Krankheit und Tod vor allem eine Selbstwahrnehmung ist, betrachtet Munch in seinen Gemälden die Krankheit und die Sterbesituation eher von aussen. Im frühen Werk von 1893 Der Tod und der Frühling liegt eine sterbende oder bereits tote Frau im Bett, während das geöffnete Fenster den Blick auf das grüne Erwachen der Natur freigibt. Das Bild zeigt zwei unvereinbare, aber gleichzeitig gültige Zustände: die Starre des Todes und die vitale Erneuerung draussen.

In Krankenhaussaal zeigt Munch keine individuellen Kranken und keine erzählerische Szene. Vielmehr machen die abgewandten und isolierten Figuren die Krankheit zu einer Erfahrung von Vereinsamung: Der Saal verbindet die Menschen räumlich, aber es entsteht keine Gemeinschaft. Jeder bleibt in seinem eigenen Leiden eingeschlossen.

In der Radierung Leben und Tod von 1916 liegt unter den Wurzeln eines Baumes ein entblösster menschlicher Körper. Unklar, ob er bereits tot ist. Die Wurzeln scheinen den Leib für ewig mit der Erde zu vereinen. Neben der menschlichen Figur liegen tierische Totenschädel, aus denen bereits neue Pflanzen austreiben.

Was will uns Munch damit sagen? Dass Wachstum nicht das Gegenbild zum Sterben ist, sondern dessen Folge: Aus dem toten Leib und den Tierschädeln wächst neues Leben.

Im Unterschied zu Maria Lassnig, deren kranker Körper noch als empfindendes Subjekt existiert, wird der kranke oder tote Mensch bei Munch in den unpersönlichen Kreislauf der Natur gesetzt.

Edvard Munch (1863-1944). Melancholie. Weinende Frau am Strand, 1906. Munchmuseet Oslo.

Edvard Munch (1863-1944). Zwei Menschen, die Einsamen, 1935. Muchmuseet Oslo.

Maria Lassnig (1919-2014). Adam und Eva, 2008. Maria Lassnig Stiftung.

Von der Melancholie und der Einsamkeit zu zweit

In diesen drei Werken wird deutlich: Einsamkeit heisst nicht nur, allein zu sein – sie kann ebenso in der Gegenwart eines anderen Menschen entstehen. In Munchs «Melancholie» ist die weinende Frau der offenen Weite des Meers ausgesetzt. Die Landschaft wird zur Projektionsfläche totaler Verlassenheit.

«Zwei Menschen» stehen gemeinsam am Strand – und doch trennen sie Welten. Das Bild verkörpert die pure Einsamkeit zu zweit. Munch beschäftigte sich über mehr als vier Jahrzehnte wiederholt mit diesem Paarmotiv. Die Fassung von 1935 wirkt mystisch und rätselhaft. Die rotbraunen, stark vereinfachten Formen sollen wohl Felsen am Ufer darstellen – allerdings in sehr skurrilen Formen. Das Ganze wirkt unklar und unsicher, wie auch das Verhältnis der beiden Menschen zueinander.

Auch bei Maria Lassnig scheint das Thema «Einsamkeit zu zweit» einen gewissen Stellenwert zu besitzen. In ihrem Werk Adam und Eva zeigt sie zwei Figuren, die räumlich zusammen, aber menschlich weit von einander entfernt sind. Was ist da passiert? Die Künstlerin lässt dem Betrachter viel Spielraum.

Hier eine (völlig frei erfundene) Version des Ablaufes: Eva schiebt Adam das Kündigungsschreiben über den Tisch, das sie von Gott bekommen hat und sagt dazu: «Gott schreibt, dass wir aus dem Paradies ausziehen müssen!». Adam erschrickt. Er kann es nicht glauben, starrt nur noch ins Leere, völlig überfordert. Und macht sich Sorgen: «Aus dem Paradies ausziehen? Wohin sollen wir denn bloss?»

Edvard Munch (1863-1944). Die Hände, 1893-94. Lithografie. Munchmuseet Oslo.

Maria Lassnig (1919-2014). Die gelbe Hand, 2000. Maria Lassnig Stiftung.

Hände: Berühren und berührt werden

Hände beten, segnen und greifen – Künstlerhände malen. In der
Ausstellung Lassnig-Munch bekommen sie ein eigenes Kapitel mit dem Titel «Berühren und berührt werden».

In Munchs «Die Hände» aus dem Jahr 1893 steht eine halbnackte Frau im Zentrum. Von den Bildrändern her strecken sich Hände nach ihr aus, fordernd und begehrlich, Angst einflössend. Die Hände haben weder Körper noch Gesichter. Alles im Bild richtet sich auf die Frau, aber sie selbst berührt nichts.

Gut hundert Jahre später, im Jahr 2000, malt die 81-jährige Maria Lassnig «Die gelbe Hand». Auch hier steht eine nackte Frau im
Mittelpunkt, es ist die Künstlerin selbst. Sie betastet mit der rechten Hand ihr eigenes linkes Handgelenk. Die linke Hand scheint sich im leuchtend gelben Grund aufzulösen.

Lassnig malt nicht, wie eine Hand aussieht, sondern wie sie sich anfühlt: taub und fremd. Zeichnet die Künstlerin damit ein Bild des Alterns? Eines verfallenden Körpers, der nicht mehr ganz gehorcht? Ausgerechnet die Hand kommt ihr abhanden, also jenes «Werkzeug», mit dem sie malte und von dem sie sagte: «Aus der Hand fliesst das ganze Herzblut und der Geist auf die Leinwand».

Gemeinsam ist beiden Werken, dass die Hände Gegenstand von existenziellen Erfahrungen sind. Bei Munch ist es die Erfahrung des Begehrens und der Angst, bei Lassnig die der Fremdheit im eigenen Körper, der langsam zerfällt.

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